2024年伊始，美国纽约现代艺术博物馆（MoMA）和美国芝加哥艺术博物馆都相继发布新年展览计划。从凯绥·珂勒惠支、琼·乔纳斯等艺术大师的大型展览，到更多元、广泛艺术家的展示与现场表演，2024年的MoMA，依然是现当代艺术流动的实验室；从美国现代艺术之母乔治亚·欧姬芙的个展到日本版画，编织艺术品和木头雕塑装置的呈现，2024年，芝加哥艺术博物馆新展展示艺术的多媒介。
从凯绥·珂勒惠支、琼·乔纳斯等艺术大师的大型展览，到更多元、广泛艺术家的展示与现场表演，2024年的MoMA，依然是现当代艺术流动的实验室。
古巴-墨西哥富有创意的设计师克拉拉·波塞特（Clara Porset）写道：“万物皆有设计”。她相信手工艺和工业可以相互启发，为现代设计开辟另一条道路。但并不是所有人都赞同她的信念。本次展览展示了1940 年至1980年间，阿根廷、巴西、智利、哥伦比亚、墨西哥和委内瑞拉的家居环境设计师提出的现代性理念，它们之间不乏冲突。对一些人来说，设计是当地和土著手工艺传统的演变，从而形成了一种将具有数百年历史的手工艺与器械技术相结合的方法。而对另一些人来说，设计是对市场条件和地方趣味的回应，并以现存技术和工业流程为基础。在本次展览中，包括家具、电器、海报、纺织品和陶瓷在内的物品以及部分摄影和绘画作品将探讨这些紧张关系。
琼·乔纳斯（Joan Jonas）创作了关于身体、空间、时间和自然的冥想。正如她所解释的：“表演者将自己视为媒介：信息通过其中”。作为美国最全面的乔纳斯作品回顾展，本次展览提供了对艺术家创作过程的新见解、前所未有的档案资料，以及全新的历史视角。绘画、照片、笔记本、口述历史、电影放映、表演和来自MoMA馆藏和世界各地艺术机构的借展展品，将追溯乔纳斯相对完整的职业生涯发展。
2024年5月，与展览同期举办的还有“琼·乔纳斯:花絮”（Joan Jonas：Out Takes）现场表演，基于乔纳斯对艺术家档案中未使用镜头的探索，将声音、视频和旁白结合在一起。此次表演还将加入为MoMA展览所创作的新素材。表演者露西·穆利坎（Lucy Mullican）将为乔纳斯伴奏，作曲家森郁惠（Ikue Mori）将现场演奏键盘音乐。
20 世纪初的几十年里，当许多艺术家都在尝试抽象主义时，凯绥·珂勒惠支（Kathe Kollwitz）却始终致力于服务于社会目的的艺术创作。她专注于母性、悲伤和反抗等主题，为工人阶级带来了能见度，并主张女性视角是推动变革的必要力量。这是纽约的博物馆首次为珂勒惠支举办大型回顾展，也是 30 多年来在美国举办的顶级规模的珂勒惠支作品展。
本次展览包括约120 幅素描、版画和雕塑作品，均来自北美和欧洲的公共和私人收藏。展品包括了艺术家最具代表性的创作，而大量的档案与草图也将突出她不断探索的创作过程。
艺术家、活动家拉托雅·鲁比·弗雷泽（LaToya Ruby Frazier）宣称：“我有责任历史的抹杀和健忘——一张照片、一篇摄影文章、一件作品、一本书、一个工人纪念碑，一次一次地重复。”弗雷泽于1982 年出生于宾夕法尼亚州的钢铁制造小镇布拉多克，她利用摄影、文字、动态图像和表演来重现和保存后工业时代被遗忘的有关劳动、性别和种族的故事。该展览全面展示了这位艺术家的创作实践，突出了她在 21 世纪作为社会倡导者，以及在连接文化与劳动阶层之间所扮演的角色。
恰逢著名摄影师罗伯特·弗兰克（Robert Frank）100周年诞辰，MoMA举办了艺术家的首次个展，通过探索弗兰克 1958 年出版具有里程碑意义的摄影集《美国人》之后六十年充满了许多活力的职业生涯，为他的大量作品提供了一个全新的视角。展览将深入探讨他在摄影、电影和书籍等媒介上的不懈尝试，以及他与其他艺术家和社区的对线件作品将齐聚一堂，这些作品创作于60年前，直到 2019 年弗兰克去世，其中许多作品来自MoMA的馆藏，以及从未展出过的资料。
此外，2024年，MoMA有多个展厅将进行馆藏展厅更新。这些只能在MoMA欣赏到的现当代艺术，从梵高《星夜》、莫奈《睡莲》等镇馆之宝到之前默默无闻却应该在艺术史上占有一席之地的“隐藏宝藏”，将是2024年的展厅重点计划之一。
尼基-德-圣法勒（法国和美国，1930–2002），《射击绘画美国大使馆》（Shooting Painting American Embassy），1961，油漆、石膏、木头、塑料袋、鞋子、麻绳、金属座椅、斧头、金属罐、玩具枪、铁丝网、子弹以及木制物品，244.8 x 65.7 x 21.9 cm
现代建筑师和设计师不仅想象了新的建筑和物件，还想象了居住和使用它们的身体。本展厅涵盖了大约1945年至1975年期间的作品，包括亨利·德雷夫斯（Henry Dreyfuss）、瓦莉·艾丝波特（VALIE EXPORT）、迈克尔·韦伯（Michael Webb）和尼基·德·圣法勒（Niki de Saint Phalle）等人的作品，其中多件作品都是首次在MoMA展出。展览中，那些依赖人体工程学将人体简化为一系列可适用于标准设计的“平均”身材的作品，与将身体视为永久重构场所的反文化实验形成对照。
20世纪80年代的纽约，城市荒凉、经济不稳定、医疗条件艰苦，艺术家们站在困境的最前沿进行创作。当艾滋病肆虐社区时，艺术家们利用城市的能量来他们所遭遇的权利剥夺。美籍华裔艺术家黄马鼎在那时候于下东区的店面上画画，他说：“我想近距离关注一些层出不穷的冲突和禁锢，那将我们所有人捆绑在一起，囚禁在这种没有假释的生活中。”黄马鼎的作品《休斯顿街》将首次在MoMA展出，与最新购得的阿古斯托·马卡多（Agosto Machado）、唐纳德·莫菲特（Donald Moffett）、马里恩·斯克马（Marion Scemama）创作的藏品一同展出。许多作品回顾了人们失去生命、社区被夷为平地的时刻，唤起了一代艺术家的愤怒，用大卫·沃伊纳罗维兹（David Wojnarowicz）的话说，便是身处“美国梦的阴影”中。
“立体派”一词——据说起源于艺术家亨利·马蒂斯（Henri Matisse）将乔治·布拉克（Georges Braque）于1908 年创作的一幅画描述为“立方体”——尽管与20世纪初的许多艺术家都息息相关，但难以囊括他们不同的想法、抱负、信仰和灵感来源。该展厅拥有极高的密度，所展出的绘画尺寸各异，紧密地罗列在一起，这与艺术家工作室和私人藏家家中墙壁上拥挤的艺术品摆放方式不谋而合，同时也向在被称为“沙龙”的展览中，对于立体派画家作品的公开展示致敬。这样的布局旨在将立体派描绘成一个多元化、不安定且动态的运动，由国际艺术家社区在第一次世界大战前夕和期间创作的作品所定义，正如诗人纪尧姆·阿波利奈尔（Guillaume Apollinaire）在《立体派画家》（The Cubist Painters，1913）一书中所写，他们决心创造一种“全新”的艺术。
展览在展示与立体主义有关的传统艺术家作品的同时，还展示了与20世纪早期其他各种前卫运动有关的艺术家的作品，这些艺术家都曾在1908年至1918年之间的不同时期生活、工作于或路过巴黎。
该展厅展出了摄影师对20世纪中期舞蹈节奏和线条的独特回应，以及艺术家们使用相机去捕捉周围世界中的“编舞”。展览的名字来自MoMA老朋友林肯·科尔斯坦（Lincoln Kirstein）创办的一本杂志，于此，照片被视为一种“舞蹈索引”，游走于舞蹈工作室和街头“舞台 ”之间，捕捉正式表演和日常动作中的舞步及其顺序。在雪莉·克拉克（Shirley Clarke）的电影《巴黎公园》（Paris Parks ，1954）中，这位曾师从玛莎·葛兰姆（Martha Graham）的电影制作人为城市公园的自然节奏——打牌的人和快乐的孩子们——配上音乐。她说：“不用舞者也能拍出舞蹈电影。”
梁慧圭（Haegue Yang），《Sallim》，2009，钢架、穿孔金属板、脚轮、铝百叶窗、编织纱、亚克力镜、IV 架、灯泡、电缆、电风扇、定时器、大蒜、盘子、热垫和香味散发器，250 x 420 x 310 cm
“我相信，最平凡的事物中也蕴含着神秘和灵性。因此，我感兴趣的是如何揭示或在那种平凡中露出一道缝隙，展示奇迹的一瞥。”艺术家梁慧圭（Haegue Yang）说。该展厅以梁慧圭的作品《Sallim》（2009）为中心，在公共尺度上审视私人领域，探索脆弱性、创造力和日常性如何在我们生活和工作的空间中重合。“Sallim”在韩语中是“家务”的意思，它勾勒出艺术家在柏林公寓厨房的鬼魅模型，梁慧圭曾在那里生活和工作。日常生活中熟悉的物件和空间成为探索庞大命题的亲密素材：关于时间、视角和自我。
哈莱姆文艺复兴时期发生在第一次世界大战结束到经济大萧条开始之间，在这一时期，知识分子、活动家和艺术家经历了前所未有的自由表达和充分机会，并试图定义“作为一名黑人”在新世纪的意义。将近65年后，英国艺术家兼电影制片人艾萨克·朱利安（Isaac Julien）推出了《寻找兰斯顿》，这是一部向诗人兰斯顿·休斯（Langston Hughes）致敬的影片，通过哈莱姆文艺复兴的视角，以诗意的方式探讨了黑人、酷儿和艺术家身份。本展厅以朱利安这部开创性的影片为中心，同时展示了MoMA收藏的其他摄影和绘画作品（其中许多作品是首次在博物馆展出），将哈莱姆文艺复兴时期和20世纪80年代这两个艺术创作和探索的井喷时期融为一体，展示了艺术家在描绘黑人生活活力方面所发挥的及其重要的作用，以及这一行为所带来的复杂性。
在六十年的艺术生涯中，罗马尔·比尔登不断重塑自己的艺术。他因在20世纪60年代及之后的开创性拼贴画实践而闻名于世，但其实在20世纪40年代，他就因具象素描和抽象绘画而赢得赞誉。尽管年轻时的罗马尔·比尔登并不是特别喜欢人们总是对他的创作报以反映其种族和身份的期待，但他最终接受了美国黑人生活这一主题，这也为他的许多作品提供了灵感。展览通过MoMA的丰富馆藏，以及1971年在馆内举办的比尔登回顾展的档案资料，突出了这位艺术家于战后美国多方面的艺术参与。
该展厅将展示一个特别的艺术家群体，他们在20世纪50年代和60年代暂时性地居住、工作于曼哈顿东南边缘最古老的街道之一——康蒂斯小道。这些艺术家包括罗伯特·印第安纳（Robert Indiana）、斯沃斯·凯利（Ellsworth Kelly）、艾格尼丝·马丁（Agnes Martin）、詹姆斯·罗森奎斯特（James Rosenquist）、德尔菲娜·塞里格（Delphine Seyrig）、莱诺尔·陶尼（Lenore Tawney）和杰克·杨格曼（Jack Youngerman）。他们被这里廉价的租金、开放式的平面布局和远离喧闹的独处环境所吸引，生活、工作于曾经的帆船制造厂和工业阁楼，并经常将周围拆除的物件整合进他们的艺术中。他们从未形成过艺术运动；他们的艺术形式多样，包括抽象和具象、纺织品、组合、电影和绘画，但他们都在康蒂斯小道取得了重大的突破，改变了现代艺术的格局，他们相互支持，成为文化景观的一部分又彼此独立存在。
从美国现代艺术之母乔治亚·欧姬芙的个展到日本版画，编织艺术品和木头雕塑装置的呈现，芝加哥艺术博物馆新年新展呈现艺术的多媒介。
无论是黑幕中动感十足的人物，还是一片深蓝中无人驻足的山水，日本版画家在过去的几个世纪中以不同的方式展现着夜的美。早期版画，18世纪中到晚期时，通常人物是画面中心，而如漆一般的黑色的存在就像是舞台戏的幕布。
到了19世纪，景色慢慢的变成为了夜幕中的主角，而跟着时间的变化，这种对于夜色本身的美的注意力集中到了描绘不同时节，甚至不同时分的夜晚。
编织，是利用织机交织线来创造织物的行为。它不仅是个熟悉的词汇，还是有千年历史的艺术媒介，一种全球都在使用的技艺。虽然编织的原理听上去简单，但它却要求织布的人在开始编之前就得完全想象好成品的样子，决定好布料的颜色、纹理、图样等细节。所以编织艺术品本身就是抽象概念的具象呈现。
这次展出，博物馆将从永久藏品中选出来自5个国家的13位有代表性的现代编织艺术家的作品，表现编织在现代文化中传达人类经验思想的无限可能性。
立体与平面之间的空间关系一直是艺术家们热衷于探讨的话题。匈牙利艺术家亚诺斯·梅吉克（János Megyik）一直在对分形几何和透视系统来进行富有诗意的研究，并且将对于空间的理解以大型木头雕塑装置的形式展现出来。
那么，假如“啪！”地一股神力将这些雕塑压扁，然后塞到一个二维空间里呢？这次展出将是梅吉克在美国境内的第一个个人展出，其中就包括他近年来的新创作：通过不使用相机的传统摄影技术（Photogram），在平面空间展现立体雕塑。
克里斯蒂娜·兰伯格（Christina Ramberg）是芝加哥当代艺术圈里饱受爱戴又有一定的影响力的人物。她于1970年中晚期将边界模糊的绘画推向了一种跨越具象和抽象的新模式，用作品来批判理想化的身体类型和性别呈现。
就算跟着时间流转，她当年曾借助自己的作品向观众抛出的问题，在当下依然困扰着我们。这次回顾展是距上次展出30年之后，再一次完整地呈现兰伯格艺术成就的展出，其中包含近100件兰伯格的公共和私人收藏品。
美国现代艺术之母乔治亚·欧姬芙以她的花卉油画和南方风情风景画出名。与此同时，欧姬芙早期在纽约时曾被纽约的景观迷住，引领她进入了为期五年的跨媒介艺术创作实验，重现她眼里的纽约。
这次展出是第一个认真审视欧姬芙在油画和粉彩等作品中对于城市景观的描绘。通过策展的精巧策划，这次展出并不会把她的城市风景看作她职业生涯中的特例，反而是将它们视为她在1920 年代现代主义研究中完全不可或缺的一部分，为观众提供更深层次的解读。
